- 1. Les deux postulations de la mise en scène
- 2. L'expressionnisme : la mise en scène comme art total
- 3. Le premier cinéma soviétique : le montage contre la mise en scène
- 4. Le cinéma hollywoodien : l'illusion reine
- 5. Retrouver la puissance de suggestion de la lumière naturelle
- 6. La mise en scène et le monde
- 7. La mise en scène et le monde du virtuel
- 8. Fin de la « mise en scène » ?
- 9. Bibliographie
CINÉMA (Réalisation d'un film) Mise en scène
Retrouver la puissance de suggestion de la lumière naturelle
C'est avec Orson Welles et Citizen Kane que l'on situe généralement l'accession de la mise en scène à la modernité. L'utilisation systématique du plan-séquence et de la profondeur de champ transforme largement les données du cinéma hollywoodien : le montage perd son invisibilité et le spectateur retrouve une liberté perdue, ayant à choisir – ou l'illusion de choisir –, parmi les différentes actions qui se déroulent dans le champ de la caméra.
RKO Radio Pictures Inc./ Collection privée
Citizen Kane, O. Welles
Keystone/ Hulton Getty
Max Ophuls
Slim Aarons/ Getty Images
C'est une modernité bien plus grande qui marque la mise en scène européenne de l'après-guerre. Déjà, Jean Renoir, dans les années 1930, avait élaboré une méthode qui laissait une grande place aux aléas du tournage. Au lieu de recréer de toutes pièces un univers imaginaire, retrouvant les principes de Lumière, il faisait confiance à la réalité, dont il acceptait qu'elle vienne, sinon modifier radicalement, du moins enrichir son projet initial : elle chargeait au contraire le film d'une vérité que l'enclos du studio et le carcan du scénario et des dialogues, dominant dans le cinéma français d'alors, ne pouvaient qu'étouffer. En ce sens, le néo-réalisme italien, en particulier dans sa version rossellinienne, représente l'opposé absolu de l'expressionnisme allemand. Il ne s'agit pas seulement d'éléments stylistiques extérieurs : tournages dans la rue, sujets quotidiens, recours à la lumière naturelle à peine corrigée, mélange d'acteurs non professionnels et professionnels, etc. Un état d'esprit résumé par une célèbre phrase de Roberto Rossellini : « Les choses sont là, pourquoi les manipuler ? » Pas plus que De Sica ou Visconti, Rossellini ne croit à une vérité absolue qu'il suffirait de cerner sans artifices. Mais sa démarche repose sur une croyance très ferme dans la capacité du dispositif cinématographique à reproduire mécaniquement et chimiquement la réalité en sorte de lui permettre de révéler sa vérité sur l'écran. Pour André Bazin et tous ceux qui constitueront quelques années plus tard la Nouvelle Vague, la mise en scène revêt alors un double aspect : un respect absolu de la réalité et la mise en place de moyens, variant selon chaque personnalité, destinés à faire surgir, par la douceur et la séduction (Truffaut), la patience et la confiance (Chabrol), la connivence (Rivette), la persuasion obstinée et masquée (Rohmer) ou la force ou la colère (de Godard à Pialat), la vérité au cœur de ce réel.
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Écrit par
- Joël MAGNY
: critique et historien de cinéma, chargé de cours à l'université de Paris-VIII, directeur de collection aux
Cahiers du cinéma
Classification
Médias
David O. Selznick
Alfred Eisenstaedt/ The LIFE Picture Collection/ Getty Images
Georges Méliès
Henry Guttmann/ Hulton Archive/ Getty Images
Alfred Hitchcock
Hulton Archive/ Getty images
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